Autorretrato / descompocicion de mi persona

Autorretrato a partir de fotos mias, junto con el audio de mi firma digital y 2 canciones con las que me identifico. Las frases que aparecen parpadeantes son frases que las personas que me conocen usaron para describirme. Y por ultimo estan las radiografias y el encefalograma que me realizaron despues de un accidente que recientemente tuve.

The filth and the Fury Julian Temple

Si no eras fan de los Pistols antes de ver esto, definitivamente lo serás después. Por lo menos esa es la experiencia que he tenido por que a pesar de que era una banda que me gustaba no sabia todo lo que muestran en el documental, lo cual me hizo admirarlos todavía mas. Pero después de ver este documental me di cuenta de que esta banda, fue mucho más de lo que los punks quisieron ser, se rebelaron en contra de ser un producto de sus alrededores, pero al mismo tiempo, encontramos que es casi imposible de lograr. Filth and fury es un viaje emocional que combina todo lo que quieras en una película con una banda sonora impresionante y un significado real. Este documental es obligatorio para todos los fanáticos de la música, te gusten los sex pistols o no.

Olvida todo lo que pudiste haber escuchado o leído acerca de los Sex Pistols y de "Sid y Nancy". Este es el documental. Una mirada dentro de la vida de una banda que cambió la faz de la música para siempre. No importa el esfuerzo anterior de Julien Temple "The Great Rock and Roll Swindle", el sensacionalista Malcolm McLaren (Gerente de los Pistols) documental centrado. "Filth" cuenta la historia con el de la banda (y la gran cantidad de cintas de vídeo doméstico "nunca antes visto" de Temple ).

En la existencia de sólo 26 meses y la liberación de un solo álbum, los Sex Pistols se desarrollaron dentro de un tiempo de la opresión económica, social y cultural masiva en Inglaterra. Esta fue una época como ninguna otra. El desempleo de los jóv

enes de magnitudes descomunales; calles miserables donde los montones de basura se convirtieron en pequeñas colinas y el hedor de un exceso de alimentación, y con la campaña de bombardeo IRA alcanzando su pico. Una de las cosas más sorprendente de este documental es que en realidad nos lleva atrás en el tiempo hasta mediados del paisaje de los años 70 de Londres. Mediante el uso de imágenes de noticiarios, anuncios de televisión del día, informes del tiempo, juegos televisivos, etc. "Filth" sumerge al espectador en todo el absurdo "Inglés" de la época.
El documental no sólo te hace sentir como si estuvier

as ahí si no que n

os da tanta información que nos hace creer que estuvimos ahí. No quiero entrar en tanto detalle sobre la historia de los Sex Pistols, aunque hay tantos datos interesantes, hechos extraños revelados acerca de la banda, que realmente nos hacen darnos cuenta de por qué son una influencia enorme en la música de hoy. Puedo ser ignorante, pero ahora sé por que empezó a escupir Johnny Rotten en el escenario y fue sólo por su problema de sinusitis, Sid Vicious, sin darse cuenta comenzó el "pogo" la danza y la banda fue la primera en decir la palabra fuck en la televisión británica. También vemos a personalidades como David Bowie, S

iouxsie Sioux y Elvis Costello, que de repente pueden ser vistos en las presentaciones de los pistols, y bandas abriendoles desde The Damned, The Buzzcocks, hasta The Clash.

Entrevistas con cada uno de los miembros sobrevivientes de la banda, así como imágenes de una extensa entrevista con Sid Vicious (Hyde Park-1978). Las múltiples facetas y ángulos de la historia de los Pistols va siendo contada por los que la vivieron. Casi todas las entrevistas se han hecho con siluetas a contraluz, por lo que las únicas caras que se distinguen son las de los integrantes de "The Sex Pistols". La intención de esto yo supongo que es para dar dinamismo y no frenar el ritmo con unos cuantos entrevistados hablado de “aquellos viejos tiempos”.

Julien Temple demuestra ser el único hombre para el puesto de Director. Hay mucho que decir acerca de alguien que abandona la escuela de cine para perseguir y documentar una banda, pero eso es lo que Julien Temple hizo. Su capacidad para mostrar la verdadera personalidad de cada miembro de la banda es notable, pero lo importante es que lo supo transmitir a la audiencia. En una entrevista reciente, afirma "La gente ha visto la película y ha terminado casi llorando, que es lo último que esperarías de una película de los Sex Pistols. Pero es porque nunca hubo nada de los Pistols predecible, que los hace tan poderosos ".



Yo no llore pero la historia de los Pistols es un final trágico desde la separación del grupo, el hecho de que Sid Vicious es el principal sospechoso por la muerte de su novia Nancy Spungen, y luego su muerte inducida por abuso de drogas meses más tarde.

Tanto si eres un fan de los Sex Pistols o no es realmente irrelevante. Si tocas en una banda punk también es irrelevante (aunque te hará pensar dos veces el término "punk"). El punto es, si te interesa la música, la cultura popular o la conducta humana, esta es una película que te recompensará entretenido e informando, "The filth and the fury" en realidad es "la historia definitiva de The Sex Pistols".

Joy división / Grant Gee

Aparte de la música, lo que me encantó de la película fue su realismo y la increíble atención al detalle. Al ver el documental de Grant Gee sobre Joy Division cuyo nombre es el mismo de la banda, por mucho que disfrute el documental de Gee, creo que me sigo yendo por lu historia ficcionada de Michael Winterbottom “24 hour party people”. Corbijn, que participa en el documental, estaba entre un puñado de fotógrafos que presencio, de primera mano, la ascensión de Joy Division.

El mayor defecto quizá de este documental, es que no alcanza mucho más allá del contexto del grupo y en el resto de la escena musical de la época. Sin embargo, que es una opción válida para el cineasta, había mucho terreno por recorrer, y los fans podrían apreciar la profundidad y la atención prestada a la música y las imágenes en vivo.
La película se centra principalmente en la formación y el crecimiento de la banda, pero quizás donde mas atención hay es en los crecientes conflictos del fallecido Ian Curtis. Quien como ya se sabe tenia problemas psicológicos de depresión. Y Gee lo lleva a cabo por mas delicado que es el asunto, con cierta delicadeza que mantiene la integridad de los que aparecen, esto es sin dudas un gran logro.
Para aquellos con un conocimiento básico de la importancia de Joy Division que se traduce en la renovación de la musica tanto en la escena de la música punk como la Manchester underground scene, nos encuentramos con este documental informativo. Además de las retrospectivas de todos los miembros de la banda restante “New Order”, una gama bien equilibrada de los contribuyentes, y el comentario sobre todo el desarroyo musical desde el escenario, la producción de la música, el diseño de arte en la cubierta de los cd, hasta las influencias culturales detrás de un estilo único de la banda.

The kids are alright / Jeff Stein

The kids are alright de Jeff Stein

Aquí muestra la banda The Who de 1962-1978. Se les muestra en presentaciones para programas de televisión y delante de un público en vivo. Intercortados estan trozos de la entrevista con Pete Townshend hablando de la banda y su rendimiento. También las payasadas maníacas de Keith Moon se muestran en detalle.
Yo no era tan fan de esta banda pero tengo que reconocer que me encantó mas que la música, la energía de la banda que aparece en la pantalla. La mayoría de los niños de hoy ni siquiera saben quién es The who, ellos fueron una de las bandas británicas más fuerte de la década de los 70 y 80. al final de casi todos los conciertos, Townshend destrozaba su guitarra contra los altavoces y luego en el suelo. Roger Daltrey y Keith Moon destruirían la batería. John Enwhistle sólo se les quedaba viendo en silencio con una divertida sonrisa en su rostro. Estas hazañas provocaban disturbios en los espectadores.

Esta película de alguna manera se las arregla para atrapar a los violentos, pero el espíritu divertido del rock and roll en sí. Las actuaciones están llenas de vida y los que vienen rugiendo de la televisión. Sin embargo, esta película está lejos de ser perfecta. Las canciones no se realizan en orden cronológico o cualquier objeto que pueda dar un lineamiento al v

erla. Comienzan con "My Generation" y "I Can't Explain" de la década de 1960, salta a la década de 1970 con "Baba O'Riley", entonces estamos de vuelta en la década de 1960 con "Shout y Shimmey" y "Young Man Blues ". Es difícil descifrar a donde nos quiere llevar la pelicula. ¿Por qué todas las entrevistas solo hablan Townshend y Moon, que Daltrey y Entwhistle no tienen nada que decir (tal vez no, pero Entwhistle Daltrey eran los v

ocales en el apogeo de los grupo). También el corte de las entrevistas en pequeños trozos y la distribución a lo largo de la película no funciona. Creo que termina por ser como cualquier DVD que compras de la gira de un grupo, a mi manera de verlo Stein se vio muy fresa y censuro las partes fuertes de el grupo, es muy clara la intención de enaltecer a The Who. Y es obvio que el filme fue realizado por un fanático de la banda.

Aquí mi cancion favorita de The who, interpretada por una de las mejores voces del rock Eddie Vader Peral Jam (Peral Jam). Que se podrian considerar los herederos de The Who pero del Grunge.



O la misma cancion llevada a el maximo producto commercial en el programa de TV “Americas got talent”



Sin embargo esta es una película que muestra una de las bandas más importantes y violentas del pop. Y quizas una de las que mas ferza han tenido, pioneros en la comercializacion de una banda como negocio junto con los Rolling Stones. Y muestra como el negocio de la música solía ser antes de que MTV lo hiciera facil.
Para fans
http://www.thewho.com/

A day with the Boys / Clu Gulager

Realmente este es uno de los mejores ejemplos de la experimentación de finales los 60 en el cine de vanguardia. Y así, capta perfectamente el inquietante, misterioso, de ensueño, metafórico y poético estilo visual de la época. Clu Gulager era un genio loco atormentado que sirve como otro ejemplo lamentable de cómo ser "demasiado brillante" como un artista tratando de trabajar en el campo real de la industria cinematográfica, a veces simplemente no pueden funcionar. Por lo menos no dentro de esta dimensión en este planeta.
A day with the boys es un cortometraje muy especial y experimental. La estética fotográfica que tiene esta pieza fue muy alocada para la época sin embargo es un estilo bastante común hoy en día, que en lo personal soy bastante fanático de el, ese ambiente calido que nos da la sensación de película velada, que de inmediato va de la mano con un sentimiento nostalgico.

Me sorprendió la forma en que estaba afectada por la película debido a su corto tiempo de funcionamiento y la falta de diálogo. Contaba con un enfoque fresco y original estilo que algunos lamentablemente pueden malinterpretar como un intento de ser demasiado artística. Ver la película con una mente abierta es un requisito para poder apreciar plenamente su mensaje, pero esta condición aplica no solo con este filme experimental, si no con todos. Por que si no terminan siendo un conjunto de tomas pretenciosas.

Esta película es quizás una de las películas más perturbadoras que he visto nunca. No con sangre, como el cine de terror, pero sin embargo, inquietante, por la perversidad de los niños. Pero realmente es una analogia del oscio en la sociedad y a la vez de cómo se refleja esto hasta en los inocentes juegos infantiles, que normalmente nunca llevan consecuencias.



Me quedé muy sorprendido por lo mucho que seguía pensando en esta película en los días después de que la vi. El contraste de la perversidad y la inocencia, la maldad y la belleza, hicieron que se me grabaran las imágenes de este cortometraje. Cabe destacar también el excelente diseño sonoro junto con todas las innovaciones que brotan en esta pieza audiovisual.

Sherman's March / Ross McElwee

"Sherman's March: Una meditación sobre la posibilidad del amor romántico en el Sur durante la era de la proliferación de armas nucleares".

Originalmente McElwee se propuso hacer un documental siguiendo la ruta del general Sherman tomó durante la Guerra Civil e investigar el impacto que tuvo en la vida de la gente del pasado y del presente que viven allí, pero de alguna manera terminó marcando la vida de las novias del pasado y prácticamente todas las otras mujeres que encuentra en su viaje, entretejido con los bits de vez en cuando de la historia.

La película es bastante divertida en cierta manera. Charleen, una ex-maestra de él (si mal no recuerdo), contribuye a algunos de los momentos más divertidos. Continuamente Ross es presentado a las niñas de su cuadra aparentemente inagotable de mujeres elegibles. Una de ellas incluso es sin saberlo Charleen mormóna. Y hay una trama secundaria hilarante sobre la precensia de Burt Reynolds, que cada vez mas, se convierte en enemigo de McElwee.

De alguna manera, esta película me enseñó más sobre la cultura americana, las sensibilidades del Sur, en particular, que las películas más "histórico" o documentales combinado. Sé que la Guerra Civil, se considera el acontecimiento histórico más importante en la historia de EE.UU., pero el conflicto invoca a un pasado revolucionario en la historia de la guerra. La campaña de Sherman fue la primera vez en la historia moderna de que la guerra se lleva contra civiles tambien, mientras que su ejército cruzo los estados de Georgia, Carolina del Norte y del Sur, donde aproximadamente unos 60.000 civiles murieron en su camino. Pero su impacto se extiende mucho más allá en el siglo 21. La Guerra Civil y, especialmente, la entrega de la Confederación y sus consecuencias, todavía parecen un factor importante en la definición de la identidad del Sur.
Quizas pudo haber recortado mas la pelicula sinceramente para mi gustó es demasiado tediosa y tiene partes que se sienten de relleno, da la impresión de que el director se encariño con ciertas escenas y no las supo quitar, ya que estas no ayudan al desenvolvimiento de la trama. A veces puede llegar a ser muy lenta, pero tiene un ritmo y estilo que si se llega a sentir muy personal, por momentos uno siente que invade la intimidad del realizador. Las conversaciones, la amenaza nuclear, la ropa y peinados, también hace una cápsula del tiempo maravillosa de los años 80. Combinado con el toque de vez en cuando de la historia y la maravillosa voz en off de Ross McElwee, este es un viaje verdaderamente de descubrimiento de una cultura y una epoca.

Jollies / Sadie Benning

Jollies relata uno por uno los episodios en la vida amorosa Sadie Benning que la llevó a sospechar y luego darse cuenta de que era homosexual. La película comienza con una foto de dos muñecas , una al lado de la otra, contrapuesta esta la imagen de una boca. Esta es la boca de una niña, que empieza a contar la historia de su primera experiencia sexual. estas imagenes tan opuestas a lo que sugiere el udio que oimos es claramente una anologia de como se pierde la niñez ya que oimos como esta experiencia fue cuando ella tenia tan solo 12 a;os de edad, con un niño de 16, que la empezo a tocar por una apuesta que tenia.

Las fotos de dos niñas y las tomas de Benning, se alternan con pedazos de texto escritos sobre tiras de papel y filmados a una distancia muy cercana. Cuando en la historia de Sadie Benning empieza a tocar las partes privadas del niño, vemos una foto de las manos con un bat de béisbol con un gesto de amenaza. La segunda experiencia es a los 15 años que es cuando por primera vez de enamora de otra niña. La dificultad de esta situación se evidencia por las imagenes de Sadie poniendose crema de razurar, y luego pretendiendo hacerlo, como si ella tuvo que cambiarse a ser hombre para poder amar a las niñas. mientras una voz expresa el conflicto de que ella no es hombre pero la propia imagen la contradice. Como se desarrolla la historia y se vuelve mayor Sadie, más se toma conciencia de los desafíos y obstaculos sociales con los que se encuentra, estos obviamente vinculados a su preferencia sexual.

El acercamiento de Sadie para contar su historia es claramente experimental, se ve un deseo por contar sus vivencias en el cual los recursos pasan a segundos términos. Y aunque carece de recursos estos no se extrañan ya que termina por unificarse en un estilo muy particular que funciona.

Jollies es definitivamente una de las películas que más claramente pone en evidencia el problema de las áreas sociales y políticas de la homosexualidad. Sadie Benning deja un universo de clausura habitual, ese armario codeándose con el mundo real (fotos de las calles, tomas al aire libre). La historia del lento descubrimiento de su identidad sexual es detalladamente puesta en comparación constante con los clichés culturales (muñecas Barbie y el bat de béisbol, entre otros) y la historia de Sadie se convierte en un cuento.

Tarnation / Jonathan Caouette

Este autor que comúnmente trabaja en super8, es un joven homosexual con una vida muy turbulenta, en el documental revela su infancia problemática a través de películas caseras y fotografías. Es el hijo de una bella ex-modelo infantil, madre soltera, ex-pacienta de terapia de electro choque.

Caouette gestiona, de manera sorprendentemente lineal, considerando las circunstancias, para pintar un vívido retrato de la familia disfuncional. Y aunque parece ser un tributo a la madre termina por ser un autorretrato que de cierta manera exorciza al realizador de todos sus obscuros demonios, que lo perturban en su vida diaria.

Sus abuelos, que terminan adoptando Jonathan después de que su madre fue encarcelada y sufrió los horrores del sistema de adopción, se revelan como personas mayores amorosas pero sin embargo se les nota un cierto lado perverso. A la defensiva, la madre de Jonathan, Renee, después de un accidente que tuvo de pequeña y por mal información fue sometida a terapia de electro choques, empieza lentamente a perder los estribos.

La película es altamente agresiva, no solo en contenido si no técnicamente también, ya que fue editada en Imovie y parece ser que a Jonathan le emocionaron mucho los efectos con los que viene el programa, ya que abusa de ellos. Los dotes teatrales de Jonathan cuando es tan solo un pequeño son alarmantes y revelan un sentido muy agudo de la teatralidad y el amor por las películas outré a una edad muy joven, divertido, narcisista, aburrido, convincente y, por último, muy conmovedor. Es como ver a un vivo reflejo de su madre, o tal vez un esquizofrénico de bolsillo.
Quizas esto es lo mas cercano que yo habia visto a el video de Jonathan cuando es pequeño:

No estoy de acuerdo con lo que algunas personas han dicho sobre este filme, porque siento que no es necesario identificarse con esta película. Para disfrutarla no significa que solo tenga efecto en quien tiene padres enfermos mentales o es homosexuales. El problema con esta película es que fue encasillada en la cultura gay, como una biblia de esta misma, por lo que le cerro varias puertas pero a la vez le abrió otras varias. Pero creo que es una película que tiene mucho mas que ofrecer que un simple autorretrato homosexual.

El hecho de que alguien está mostrando su propia vida en la verdad completa es asombroso. A veces hay que dejar de criticar todo lo que no es perfecto y no tan entretenido como usted quisiera que fuera y tratar de aprender algo de ella. Pero en general es una película que la persiguen los prejuicios de la sociedad y es difícil desprenderse de ellos para verla debido a los temas que toca.

Capturing The Friedmans / Eugene Jarecki

Quizas uno de mis documentales favoritos a lo largo de este curso Capturing the Friedmans es un relato fascinante, deprimente y, en definitiva muy frustrante de un pedófilo y el efecto que tiene en la comunidad y la familia.

En 1984, Arnold Friedman, un marido muy respetado, padre y docente que vive con su esposa y tres hijos en un barrio rico del norte de Long Island, fue arrestado con más de un centenar de cargos de abuso sexual de menores, supuestamente cometidos mientras él y su hijo menor , Jesse, daban clases de informática. Jesse, de 18 años fue también arrestado y acusado de múltiples cargos de sodomía. Capturing the Friedmans mira hacia atrás, no sólo en el juicio y las circunstancias que lo rodean, sino que trata de enfrentarse a cómo todo esto afecta cada uno de los miembros de la familia y la comunidad en general.

Mediante la combinación de entrevistas de actualidad con varios de los miembros de la familia, así como algunos de los funcionarios policiales involucrados en el caso, y el uso de multiples imágenes de la vida de la familia atrapada en el cine y video, tanto antes como después de la detención. El director Andrew Jarecki crea una vista fascinante de una familia y una comunidad desgarrada por la crisis. Somos testigos de cómo cada miembro de la familia reacciona a la situación. Los hijos mayores cierran filas y permanecen fieles a su padre mientras la madre intenta distanciarse de la crisis a la mano. Vemos la negación y la habilitación que son comunes en situaciones como esta, así como la forma en que los profundos sentimientos y hasta ahora oculto de la ira y el resentimiento de repente puede estallar y salir a la superficie. Debido a que los hijos Friedman estaban obsesionados con la grabación en vídeo de los acontecimientos de su vida, los realizadores tuvieron acceso a un exceso de material muy revelador, clips para elegir y poder entretejer este gran tapiz triste pero profundo.

Tal vez el aspecto más controvertido de Capturing the Friedmans" es que, a pesar de que los cineastas reconocen que Arnold es un pedófilo, obviamente tienen serias dudas de que los delitos por los que él y su hijo fueron condenados hayan ocurrido realmente. Y, en efecto, la forma en que se llevo la investigación y la falta de notificación previa por cualquiera de los niños que eran las presuntas víctimas, se plantean algunas cuestiones preocupantes de credibilidad y plausibilidad en la mente del espectador. Incluso la gente de la entrevista cineastas a menudo se contradicen entre sí, dejando a la audiencia no saber quién está diciendo la verdad y quién miente ya sea deliberadamente o, tal vez, inconscientemente. Aunque a veces es tan ovio el contraste que se ve la intencion de burla. Es este aire de no conclucion que da al espectador el sentimiento de frustración, pero a la vez le permite crear su propio juicio. Aunque para ser sinceros si nos apunta mas a creer en la inocencia de Jesse y menos en el sistema judicial americano. Pero a final de cuentas aunque las simpatías de los cineastas parecen estar más con la familia que en el tribunal, no podemos dejar de pensar que tal vez nadie está realmente diciendo la verdad y que tal vez la realidad, como suele ser el caso en la vida, está en algún lugar en el medio.



Si nada más, Capturing the Friedmans sirve como un recordatorio de qué tan desordenado y complicado un problema de abuso de menores puede ser. Con las emociones tan altas en ambos lados de la cuestión y las consecuencias tan devastadoras para todas las partes implicadas. la película al menos muestra que las condenas en estos casos debe realizarse con la máxima racionalidad, rigor y cuidado.

Cualquiera que sea la verdad en este caso, el hecho sigue siendo, sin embargo, que las acciones de Arnold Friedman llevaron a la desintegración de una familia y una tragedia humana innegable.
Quizás mi tipo de humor es algo no muy normal, y probablemente no era la intención de los realizadores al crear esta obra, pero siento que hay momentos muy irónicos conforme se va desenvolviendo la película, como el hecho del hermano que se salvo sea el payaso infantil numero 1 en New York, o que nunca mencionen la homosexualidad del hermano, si no hasta después de que se menciona que abusaba Arnold de el, y que este niega haber sido afectado por la experiencia.

El otro lado de David aquí no es ese adulto frágil y lloron. Si no un regordete seguro de si mismo.

Nobody's Business / Alan Berliner

La película que supuestamente es sobre el padre del director creo que es mas bien un autorretrato de este, la trama es la búsqueda de un hijo por sus antecedentes através de entrevistar al padre. El hijo convenció a su padre para enfrentarse a su pasado y su memoria perdida. El usa su historia personal como base (su padre, su abuelo, su familia, y así sucesivamente) para hablar sobre la comunicación humana y la relación entre un padre y un hijo. Creo que esta película es acerca de la memoria de su padre.
En la sociedad contemporánea, las personas no se preocupan por otras personas y sus familias, así como el título de esta película lo indica, y el director trató de mostrar que las personas están realmente conectados entre sí. Mientras que la película sigue, también muestra la soledad de las personas (y toma su padre como ejemplo). Básicamente, la edición y el uso racional de esta película son fantásticos y únicos. La escena más interesante es cuando padre e hijo tienen una discusión, y las imágenes se cortan a la escena del boxeo. Este tipo de juegos en la edición crean varios pequeños momentos brillantes que nos dan otra perspectiva.
Esta película en un nivel superficial trata de mostrar una historia entre un padre y un hijo. Sin embargo, detrás de todo, hay una búsqueda por exponer las diferencias generacionales, es decir, si los problemas y las preguntas del director y de su padre también existen en todas las demás personas y sus familias. Aunque esto parece ser un problema grave, el director utiliza de manera muy interesante y divertida la narrativa para mostrar este grave abismo y presentar a su familia.



Por otra parte, la edición y el uso inteligente de sonido captan de inmediato la atención del público y hacen que algo tan poco interesante como lo que es asunto de nadie se convierta en entretenido. En general, este documental es realmente interesante. El director utilizó su padre y su familia como ejemplos para recordar a otras personas (incluido yo) para tratar de hablar y se preocupan por sus familias y parientes más el cual no han hablado por mucho tiempo. Se trata de un asunto de todos!
También es cierto que en la actualidad hay una fascinación por el vouyerismo y a la gente por naturaleza le gusta ver al de alado y compararse. Quizás lo que mas me entretuvo de esta película fue el padre del director quien es el vivo estereotipo del judío neoyorquino, y constantemente me remitía a un personaje interpretado por Woody Allen.

El chico ciego / Johan Van der Keuken

Esta película la decide hacer Van der Keuken después de leer un folleto elaborado por el Instituto para Ciegos de los niños ciegos y cómo hacen para formar imágenes del mundo. Su interés iba más allá de lo obvio para un cineasta, para quien ya es primordial. La blancura de la pantalla es lo contrario de los ciegos, ese mundo de ausencia de luz, esta ausencia es inimaginable para cualquiera pero aun mas para un cineasta. Aquí vemos que los descubrimientos de los niños son necesariamente táctiles. La fascinación de Johan por el tema lo llevo a hacer una segunda parte que narra la experiencia de uno de los niños que conoció durante el rodaje de esta primera.

Aquí Van Der Keuken va más allá de nuestras ideas preconcebidas de lo que una película sobre la ceguera puede tratar y por lo tanto más allá de nuestras expectativas de lo que un documental puede ofrecer. No muestra el niño ciego como un objeto sentimental de la piedad y la caridad, o como inferior a causa de un terrible mal. En momentos y quizás tiene que ver la fuente de inspiración que tomo el realizador se siente como una mezcla de un folleto de ceguera mezclado con un ensayo sobre esta. Se alcanza a notar una fascinación de parte del director por los métodos alternos que tienen estos jóvenes para realizar tareas cotidianas.



En mi caso me costo mucho ver esta película ya que el peor miedo en mi vida es quedarme ciego, es mas de solo mencionarlo ahorita baje el brillo de mi pantalla acompañado de un fuerte escalofrío. A mis seres queridos siempre les comento que el día en que quede ciego que me maten. También me recordó a una institución de ciegos a la cual íbamos en secundaria, para la materia de servicio social, en la cual nos ponían a jugar domino con los ciegos y se nos eran vendados los ojos. En la cual mas que irlos a ayudar en sus labores era ir a la institución y vivir su experiencia. Un poco lo que intenta el director en esta pieza.
Pero independientemente de mis miedos creo que es un excelente retrato sentí que era muy ilustrativo y me hizo pensar en varias paradojas, como si ellos sabrán lo que significa ser retratados y observados, entre otras.

Chronique d'un été / Jean Rouch

El cineasta Jean Rouch, en conjunto con el sociólogo Edgar Morin, crearon una historia a partir de entrevistas aparentemente al azar y anécdotas. Juntos crean una pieza que describe la vida en torno a París 1961, con conversaciones de sus amigos sobre la guerra en Argelia, y la mentalidad de la vida cotidiana de los parisinos. Usando una cámara de 16 mm se pusieron a hacer lo que nadie había hecho antes que ellos: tratar de capturar la vida cotidiana y hablar de ello. Se habla largo y tendido sobre la política. Estos temas no solo se discuten como parte de la película, si no que al final cuando los realizadores muestran su obra terminada a los participantes para después analizarlo. Como que información dar, hablar sobre los sentimientos de los personajes, describiendo lo que funcionó y lo que no, qué siente real y que parece artificial. Las personas que se entrevista a través del documental cuando miró socioeconómico, intelectual y racial, ofreciendo puntos de vista alternativos sobre los problemas, las historias que tenían que decirle a la cámara y los ensayos que se asocian con su vida.Quizas uno de los mejores momentos para mi gustó de la película es una escena en la que los dos realizadores están discutiendo su participación y la hazaña que acababa de lograr con la película terminada lista para ser mostrada. Era una escena muy íntima en la que parecía como si ambos de los realizadores no sabían que estaban siendo filmados y, como tal, procedió a exponer los principios y la teoría de hacer una película antropológica.

Fue a mitad de camino a través de esta conversación que me di cuenta de que no realizaron esta discusión como un debate real, sino como una mascara realista para poner en su película y de este modo añadir estilo y realismo. Lo que parecía en un principio como un nuevo enfoque para la realización de películas salió más como una estructura de marketing inteligente, usando a la audiencia como una caja de resonancia, y acercando mas al publico con el tema de la película, a través del uso de la invasión de la intimidad.
Los cineastas optaron por la participación en la película en vez de la vena típica de anonimato. La reflexividad es un dispositivo que se uso para variar la distancia de un objeto, dando la idea de que los realizadores, el producto y todo lo que pasa con ella. Este acto egocentrista es con el fin de obtener las respuestas deseadas que se buscan, en contraposición a las respuestas que surgen naturalmente de un tema que se comenta.

Rouch da a las preguntas específicas que se prestan a respuestas específicas. "Yo diría que la mayoría de los antropólogos consideran que el contenido de manera implícita debe dominar la forma en la redacción científica de la forma y el estilo en que el contenido de una etnografía debe fluir. En la prestación de preguntas específicas, no dejan que la vida natural fluya sino que la impiden por su propia voluntad. Terminan por destruir la ilusión que ellos han creado.
Morin y Rouch son muy abiertos proporcionando información valiosa sobre sus mentes, así como las mentes de las personas a las que se entrevista. Esto sin duda establece la honestidad en frente de la cámara, creando un margen de comodidad para los temas de manera que la cámara no parece interferir mas que siendo un simple registro. En ciertas escenas parece como si fuera un observador con respecto a estas personas con una mirada fría e insensible. El argumento en el pasillo, por ejemplo.
Hay momentos en la película que parecen muy artificiales sin embargo. Hay una escena de una mujer que caminaba por las calles de París junto con su caminar la escuchamos contar la historia de la internación de su padre y la suya en un campo de concentración alemán . Esto nos podría hacer pensar que es un dialogo escrito, pero cuando uno conoce los métodos de Rouch se da cuenta que de verdad nos hemos infiltrado en los pensamientos de una persona.

La realización del filme es excelente, a veces, como he dicho, dando la sensación de un ojo omnisciente flotante, observando a la gente en su vida diaria. Y como pasa en muchas de las peliculas de Rouch que al verlas hoy en día no nos sorprende, pero si investigamos fue pionero en varias técnicas, como el uso de la cámara oculta. Con la cual se crea una sensación de voyeurismo falso, contrastado con la proximidad sensible que lo caracteriza.
La escena en el teatro cuando se muestra la disección de los personajes es especialmente bella, ya que le da un sentimiento poético y surrealista, donde los personajes se están mirando a sí mismos como los vemos nosotros.

The Thin Blue Line/ Errol Morris

Este es un extraordinario documental en el que el cineasta Errol Morris muestra cómo un hombre inocente, fue declarado culpable de asesinar a un policía mientras el verdadero asesino fue dejado en libertad gracias a el sistema de justicia penal incompetente de Dallas, Texas. Lo asombroso es que Morris demuestra la estupidez y lo corruptible de la justicia de una manera totalmente convincente, simplemente por entrevistar a los participantes. Es verdad que vuelve a representar la escena del crimen y los flashes de los titulares de noticias de los periódicos que nos guían. Que quizas hoy en dia nos parecen un poco cursis y choteados, debido a que es un estilo adoptado por la televisión, por programas como misterio sin resolver, pero en su epoca Morris fue pionero.


Pero el detalle de grandeza de esta pieza documental radica simplemente en como nos va dosificando la información y jugando con nuestras mentes, volviendonos parte del juego, haciendonos tomar bandos como si se tratase de una novela de detectives, hasta llegar a sentir extremada impotencia y empatia por el personaje. Y poner como desenlaze las palabras del verdadero asesino, en la cinta que confiesa a sangre fría, ese audio explosivo que termina la película, que demuestra no sólo la culpa, pero la personalidad psicopática del autor del crimen. Creo que esta excelentemente logrado.
Y son las palabras de los abogados de la defensa, el bastante sustancial James Edith, la retirada de Dennis White, y el injustamente condenado Randall Adams, que muestran los métodos corruptos e incompetentes utilizados por el sistema de justicia de Dallas para llevar a cabo esta falsa convicción. Particularmente escalofriantes fueron las palabras del Magistrado, de como él recuerda escuchar al fiscal sobre cómo la sociedad está compuesta, y protegida por "la delgada línea azul" que son los policías que dan su vida para protegernos de los delincuentes. La parte escalofriante es que mientras él esta dando un discurso emotivo con lagrima en el ojo esta permitiendo que el verdadero asesino quede en libertad y siendo cómplice de encarcelar un chivo expiatorio.

Cuando el sentimiento de impotencia es casi intolerable de cuán perverso y corrupto el sistema puede llegar a ser. Es con la visita de 15 minutos del psicologo que determina que Randall era un peligro para la sociedad, un asesino sediento de sangre que mataría de nuevo, como medio de justificar la pena de muerte.

Como los policías estaban tan ciegos como para no ver que 16 años de edad, David Harris era un peligroso psicópata despiadado desde el principio está más allá de la creencia. Como Morris sugiere, que era su deseo de vengar la muerte del policía con la pena de muerte, que cegó a lo obvio. Ellos prefieren freír un hombre inocente que condenar al verdadero asesino, que por su edad no era sujeto a la pena de muerte bajo la ley de Texas.

Cuando un hombre inocente es injustamente condenado por un asesinato ocurren tres cosas: Uno, un hombre inocente termina en la cárcel o incluso ejecutado. Dos, el verdadero culpable es libre y puede volver a matar. Y, tres, se pervierte el sistema de justicia. Esta última consecuencia es quizá la peor. Cuando la gente vea que su policía, sus tribunales, sus jueces condenan a los inocentes y dejan el camino libre a los culpables, pierden fe en el sistema y comienzan a identificarse con los que están fuera del sistema. Ellos ya no confían en la policía o los tribunales. El pueblo se aparta de este sistema y el sistema se distancia de la gente. Este es el comienzo de la ruptura de la sociedad. La policía de Dallas y los fiscales y el juez estúpido (David Metcalfe), que debería haber visto a través de la parodia, se culpó por el hecho de que David Harris, luego de testificar para la fiscalía y fue puesto en libertad, en efecto volvió a matar, así como la cantidad de delitos graves que cometió.

Lo bonito de esta película es, por encima de la brillantez de su construcción artística, es que su mensaje fue tan claro y tan poderosa que dio lugar a la liberación de Randall Adams, por otra parte nunca se juzgo al verdadero culpable por este crimen, y aunque tiene momentos muy fuertes como cuando insinúa que el asesino mato a su hermano cuando era pequeño, existen momentos que nos dan la sensación de que omitió ciertos datos. Como la relación homosexual de los 2 personajes.

Salesman / Albert & David Maysles

Paul Brennan es "the badger". Charles McDevitt es "the gipper". James Baker es "the rabbit", y Raymond Martos es "the bull". Sin embargo, esto no es una película de Guy Ritchie, sino más bien un documental de los vendedores de biblias de puerta en puerta que se ganan la vida de acuerdo a sus habilidades de convencer a la gente. Vendiendo biblias desde 40 dolares, a las familias católicas en su mayoría pobres, ofreciendoles una amplia gama de métodos de pago.

La trama basica es de 4 vendedores en su viaje alrededor del país. Los cuatro hombres tienen apodos que le han dado unos a otros, todos describen su enfoque o tecnicas de venta. la mayoría de las victimas, por llamarles de alguna manera, de los vendedores terminan siendo las familias pobres católicas que no pueden ni siquiera pagar un dólar de un pago por semana, pero lo mas interesante quizas son las tácticas de ventas que estos hombres emplean.
Quizas al que mas vemos es a Paul Brennan en su intento de romper su mala racha de ventas.

Probablemente, el peor trabajo que he hecho no fue tan malo, trabaje en un restaurante 6 dias por semana casi 12 horas diarias. Sin embargo, con mucho gusto lo haría de nuevo, si la única otra opción fuera vender de puerta en puerta o por telefono, porque para mí gusto es un trabajo que destruye el alma. Este documental confirma mis ideas sobre el trabajo como cuando vemos a Paul Brennan en las llamadas de ventas, conferencias y reuniones. Por momentos este fracasado personaje me recordaba a Gill de la serie de TV los Simpson, frenéticamente tratando de salir adelante. La película no proporciona una visión mucho más profunda que eso, porque es más una mosca en la pared observando de lejos que permite a los personajes hablan por sí mismos.

Es deprimente por varias razones y me hizo sentir simpatía por Brennan tanto como repulsión. Pero a final de cuentas por mas que use engaños para vender es parte de su trabajo. Nunca me he encontrado con un vendedor de puerta a puerta, y quizas hoy en dia por el facil acceso que hay a las cosas por medio del Internet o los bajos precios y facilidades de pagos de las grandes tiendas, ya no es tan comun encontrarse con estos tipos de personas. Aquí cabe resaltar la grandeza de los hermanos Maysles que supieron sabiamente mantenerse fuera del camino y la forma en que su cámara fue discreta, aun cuando las ventas fueron en las salas relativamente reducidas.
Los documentales son un género bastante generalizado en la cultura actual, y una tendencia creciente es manipular las imágenes a fin de enfatizar la veracidad de la tesis. Albert y David Maysles en Salesman, a diferencia usan un ojo inquebrantable en los sujetos, a veces con resultados inquietantes y perturbadores.

Los Maysles nos dan una mirada absolutamente fascinante en el mundo de las ventas puerta a puerta. La presión que los vendedores utilizan cuando se trata de vender el producto, y la lucha de la exposición de sus perspectivas, es difícil de ver. En una escena, Brennan va a la puerta de un cliente reciente a recoger su pago inicial de la venta de otro de los vendedores y prácticamente se niega a tomar un no como respuesta, diciéndole que él es el jefe de un vendedor y va a tener que despedirlo si se cancela la venta, con el tiempo convence a esta familia que claramente no puede tomar otro pago a plazos en seguir con la venta debido al sentimiento de culpa. Por otro lado, también vemos las reuniones de ventas, donde la presión se activa entre los vendedores mismos, por lo que es evidente que las amenazas de desempleo son una motivación clara.

Me preguntaba si toda la película David Mamet había visto esta película y posteriormente la tomo como fuente de inspiración para 'Glengarry Glen Ross'. Desde la reunión de ventas donde el director pone en peligro a los vendedores a los mismos personajes, encontre varias similitudes claras. Por ejemplo Brennan podria jurar que es Shelly Levene. Salesman es claramente una película importante que no suaviza los bordes y nos presenta con la magia y el poco tacto que caracteriza a los Maysles una realidad determinada sin censura.

Urgencias / Raymond Depardon

¿Quien si y quien no es normal?

La película muestra a varias personas que llegan a una psiquiatríco de París, y como el nombre lo dice a la sala de urgencias de este. En comparación con otros documentales esta película no retrata a una persona y su vida, Raymond Depardon da un retrato de un edificio. Y en este edificio se queda en la zona de entrada como si fuera un lugar que separa lo normal de los enfermos. Y escuchas varias historias diferentes, mientras les dan consulta a los pacientes y cómo tratan de expresar su situación. En la que se muestra un fuerte sentimiento sobre nuestra sociedad y cómo funciona. Hay un conductor de autobús que tiene una crisis nerviosa. Un viejo que quería suicidarse en el pasillo de su casa. Una mujer que da una explicación muy extraña de por qué se rompió un escaparate. Y un hombre que ni siquiera puede decir su edad, ni lo que le ocurrió. La película se basa en estas personas contar su historia y luego salta a la historia siguiente, así que lo único que permanece es la habitación y los psicólogos que están haciendo preguntas e intentando ayudar. Después de esta película me gustaria ver más algo mas de Depardon ya que me dejo mucho que desear, creo que al tratar un tema parecido al de wiseman en Titticut Follies, la compare demasiado y sinceramente me gusta mas la manera de Wiseman de mirar en nuestro mundo. Creo que la virtud de Depardon es su mismo defecto, su incansable busqueda de mostrar las cosas como son, como si fueran escenas tomadas de las camaras de seguridad, me dio la sensación de que le faltaba un discurso.Este documental fue filmado en el pabellón psiquiátrico de la Dieu Motel en un gran hospital de París. Los pacientes llegan por su propia cuenta o con la ayuda considerable de la policía, pero todos los pacientes están en necesidad de atención médica. Los valores de producción varían de acuerdo con la disponibilidad de luz y las condiciones en la instalación. Pero no hay nada que resalte mucho.

Titicutt Follies / Frederick Wiseman

"Titicut Follies" es un polémico documental de Frederick Wiseman. La película registra los acontecimientos en la Prisión Estatal de Bridgewater para los criminales dementes. Se rodó en 1967, pero fue sometido a una prohibición en todo el mundo hasta 1992. El Tribunal Judicial dictaminó que la película fue una invasión de la privacidad de los reclusos, pero en realidad Wiseman había conseguido el permiso completo para hacer la película en la prisión. La prohibición fue más un intento de las autoridades para silenciar las verdades que la cámara inquieta de Wiseman había descubierto.

Wiseman es uno de los principales exponentes del cinéma vérité. Sus películas no tienen la narración, la música o los títulos. Simplemente, observa a sus súbditos con frío distanciamiento. Cualquiera que sea lo que Wiseman retrate, siempre deja a el espectador interpretar por sí mismo. Nada se explica.

Wiseman es uno de los padrinos del cine documental. A lo largo de su carrera, ha establecido el estándar para lo que se conoce como dentro del cine documental como de observación u objetivo. Pero a diferencia de la mayoría de los cineastas, las películas de Wiseman se centran en las instituciones mas que en personas. Su pasion es desmembrar y exponer a las organizaciones de todo tipo. Y su drama se deriva de la simple observación de los diferentes engranajes y las personas en el trabajo dentro de estas máquinas de la sociedad. Las escuelas secundarias, oficinas de bienestar, zoológicos, hospitales, grupos de ballet, los campamentos del ejército, los pueblos pequeños, las bases de ICBM y corporaciones de negocios son sólo algunas de las instituciones que ha abordado.Con "Titicut Follies", Wiseman va detrás de las paredes de una institución mental de Massachusetts y expone el tratamiento de los reclusos por los guardias y los trabajadores sociales. Las imágenes que muestra son a la vez macabras y repugnantes. La institución mental pretende ser un lugar de la lógica y el método científico, pero Wiseman revela que es un lugar de caos y el absurdo. Los pacientes se consideran "locos", simplemente por no ajustarse a las normas absurdas de la institución. Son sistemáticamente objeto de burla y acoso, son tratados prácticamente como animales.

Varios presos, uno socialista y el otro ruso inteligente, parecen estar en la institución por razones políticas. Ambos son de mente sana y completamente racional, pero están ahí por sus ideales que simpatizan con la causa comunista y la participación de la desconfianza estadounidense en Vietnam, que han sido etiquetados esquizofrénicos paranoicos y encarcelados de forma indefinida.

La escena más difícil de ver es la de una alimentación forzada. Un médico se fuma un cigarrillo mientras le inserta un tubo de goma largo en el orificio nasal del paciente y luego vierte la sopa en un embudo. A mitad de camino en el procedimiento, el cigarrillo del medico cae en el embudo. En la edición esta entrecortada con otra escena dolorosa que es cuando preparan para el entierro el cadáver de un paciente. Wiseman a lo largo de su película tiene varios momentos de reflexión y poéticos lo cual es destacable ya que crear poética con imágenes tan impactantes como lo son estas es algo que solo uno de los grandes puede lograr.

Frederick Wiseman es un caso curioso en el cine. En general los directores son o muy poeticos o muy sinteticos. Pero Wiseman se podria decir que es el Kubrick del documental, es secuencial lineal pero a la vez atrevido, poetico y raro.Él ve a los que retrata en cuanto a las secciones y partes. En términos de máquinas y grandes construcciones. Su cámara está siempre distante, independiente y objetiva.

Pero detrás de este orden y la mente analítica es un artista que parece abrazar la improvisación y el caos. Wiseman trabaja rápido con una sola cámara y un micrófono simple. Capta lo que puede, sin propósito y el plan, esculpiendo sus películas totalmente en el momento. Esto le da un aire único a sus películas. Tienes la sensación de grandes estructuras sociales, instituciones y comunidades gigantes, la máquina como en su funcionamiento y las rutinas, y sin embargo dentro de estas máquinas, Wiseman captura imágenes fugaces de la humanidad, espontánea y silvestre.

Hasta hoy sigue siendo la única película en la historia de EE.UU. que se prohibió por razones distintas a la obscenidad o la seguridad nacional. El director Milos Foreman se baso claramente en esta pelicula para hacer una de mis peliculas favoritas “One flew over the cocos nest” que se estreno en México como “atrapado sin salida”, pero esa es otra historia en la que no nos queremos meter.

Etnografia Junkie / JuanCa

Documental hecho a partir de material apropiado, que retrata el mundo, efectos y consecuencias de las drogas en la sociedad de una manera comica, usando el humor negro.

D´ Est / Chantal Akerman

Entiendo perfecto lo que quería retratar la directora en su documental, pero jamás lo volvería a ver, creo que se entendía igual si lo hubiera hecho de 30 hora y seria una pieza mas digerible.
Lo que intenta retratar es la manera en que pasa el tiempo en los países de Europa del este, y la forma en que se relaciona la gente, tiene métodos de acercamiento como filmar a la gente en la cotidianidad pero principalmente en las calles. Por ahí vemos un par de tomas en las casas, y son principalmente mujeres, un ligero exaltamiento de la feminidad, se alcanza a notar un aire sutil feminista de parte de la autora.
Quizás esta es la critica mas difícil de escribir ya que no pasa mucho en las 2 horas, y mas si mi reacción fue negativa. Creo que es el tipo de película que o amas o odias. En m caso creo que es claro que la odie, me puso de muy mal humor, y empecé a perder la paciencia, no dudo del talento de esta mujer pero en gustos se rompen géneros, para mi no me gustó.
Nunca me había aburrido tanto desde que vi rocket man por William Shatner

Le sang des Betes / Georges Franju

Como abordar una profesión cruda y fría que si no de manera cruda y fría. Franju nos muestra un negocio que ha existido por años pero que nosotros solo vemos el resultado “la parte bonita”.
El documental empieza con unas tomas de Paris para luego mostrarnos los inframundo en este caso los mataderos. Nos muestra el proceso de cómo se descuartizan diferentes tipos de animales, caballos, vacas, becerros, y borregos.
Es un documental para personas de estomago fuerte pero si vemos mas allá de este, podemos ver ciertos toques de humor, como el ataque a la religión tan evidente cuando pasan 2 monjas, como si fueran animales de camino al matadero.
A pesar de ser un documental que retrata un oficio, por la naturaleza agresiva de este termina siendo un documental muy violento en el cual se degollan animales y se despellejan con una naturalidad inherente. Es un acercamiento frío aunque hay un par de momentos reflexivos como cuando vemos el close up de una vaquilla momentos antes de ser degollada, quizás un ligero intento por humanizar un momento al animal.



No puedo imaginar la reacción que causo en su tiempo este documental, ya que hoy en día sigue impactando y eso que tenemos una cultura visual mucho mas amplia, por ejemplo con el cine Gore. El poder que tiene la sangre para poner al espectador en tensión es como el uso de los niños, es la solución fácil. A continuación pongo un video que me causo casi el mismo asco que el ver las viseras de los animales, es un video excesivamente grotesco.

The seasons of the year y The End / Artavazd Peleshian

Mas que un cineasta yo diría que es un hipnotiza, sus películas tienen un ritmo y una poética visual que pocas veces había yo experimentado. Además de una gran fotografía y sonido, existe detrás un ritmo que nos envuelve en un estado de trance.
Por ejemplo la película de The end, mas que relatarnos como es un viaje en tren, nos mete en ese estado de viajero el cual las horas pasan y no sabemos que tanto falta, una especie de limbo en la que los demás viajeros son solo acompañantes en el mismo sentimiento, pero que uno jamás establece vinculo con ellos. La mitad del viaje es en un territorio con neblina que no nos permite ver la meta. Y al pasar un túnel el estado cambia, el final se acerca pero no llega. Al entrar en el segundo túnel existe una majestuosidad que por fin se nos es permitido ver el vinal pero este se aleja. Hasta por fin llegar que vemos una luz que nos deslumbra, aleas nuestro destino. El atributo mas impactante del cine de este señor es la manera tan humana de retratar a las personas, como los aborda en su intimidad y logra mostrar a la persona que se esconde atrás de esa cara.
En su otra película seasons of the year, nos muestra como vive un pueblo en las montañas, desde las actividades diarias de supervivencia, hasta sus pasatiempos y costumbres, pero siempre con una ilación que radica desde comparar un rebaño de borregos con uno de personas, o el mostrar como bajan las montañas de paja de la montaña y como bajan ellos por diversión, siempre con una belleza en cuadro impresionante.


http://www.youtube.com/watch?v=6T2pqtBK1pA

Hoy en dia de los videos mas populares en la red son las cámaras de alta velocidad que tienen un efecto hipnotizante parecido, creo que en este caso funciona mejor este documental sociológico, que estos documentos posibles gracias a los avances tecnológicos modernos.

Human Remains / Jay Rosenblatt 1998

El director tiene formación en la teoría de salud mental y tiene la capacidad de poder analizar las distintas personalidades y compararlas en los cinco casos de dictadores contemporáneo del siglo XX. Adolf Hitler, Benito Mussolini, Josep Stalin, Francisco Franco y Mao Tse Tung.

La película se basa en la vida personal de estos lideres y nos derribe como era gracia a sus diarios personales, y fragmentos de sus vidas privadas con datos biográficos que puedes ser hasta cómicos. Comparándolos y tratando de encontrar semejanzas y cualidades comunes.

Así nos muestra un Hitler hipocondríaco, con miedo terrible a las enfermedades al cual le encantaban las caricaturas pornográficas. Teniendo una cualidad en común con Mao. Ambos tenían un solo testículo así que la frase de que se necesitan huevos para ser un asesino, no aplica en el sentido estricto de la palabra por los hechos que fueron consumados en su mandato.

Stalin un alcohólico. Mao un mujeriego empedernido , sucio, sin higiene. Decía que la limpieza de sus genitales procedía en los genitales femeninos. El cepillado de dientes era innecesario , ya que los tigres que eran un blasón para el, no se lavaban los dientes, así que con tomar té verde bastaba.

Nos presenta a Francisco Franco como un hombre que gustaba de ver la televisión en un sofá al lado de su esposa. Claro era porque no había noticiario en España en el que él y su familia no saliera. Se muestra como un hipócrita que decía que no tenía tiempo mas que para trabajar para aliviar el sufrimiento ajeno cuando en realidad eran famosos sus idas a cazar y pasar tiempo en navegando. Benito Mussolini, un hombre narcisista y pagado de si mismo. Tenía dos leones. Todas estas escenas banales y cotidianas se van entrelazando con dos escenas oscuras y recurrentes. Una donde salen cavando en un cementerio, removiendo la tierra y los cadáveres y otra del ruido de las vías del tren.

La película maneja los perfiles sicológicos y las distintas personalidades d los cinco lideres, dictadores y nos invita a entrar en su mente cuando los toma mirando de frente a la cámara, para hacernos testigos de la intranquilidad de la memoria colectiva de la humanidad que no puede descansar después de haber vivido tantas atrocidades, perpetuados y provocados por estos cinco individuos que jugaron el papel de dioses siendo seres humanos comunes con defectos y debilidades.

Otras facetas de los políticos:

Night Mail / Basil Wright

Este documental cuenta con mi tipo de voz favorita, la voz omnipresente, la que lo sabe todo. Ese tono que asemeja hablar desde las alturas. Este documental tiene un lenguaje entendible para todo tipo de publico.
Es la respuesta capitalista a Vertov, aquí la maquina no es la protagonista si no demuestra como la maquina necesita del individuo para funcionar. Y como ningún individuo queda fuera del sistema, hasta el campesino mas alejado, recibe las noticias de su capital, gracias a este complejo aparato que es el sistema férreo y el de correos.
La exaltación del individuo americano no es el único tema de aquí si no también el desarrollo tecnológico de este país. El acercamiento es simplemente ilustrativo, no se intenta dar un punto de vista, parece ser que estamos viendo un video corporativo.



Este documental marco un estilo del cual hoy en día se sigue encontrando rastros en EUA. Desde el tipo de narración que fue adoptada por los panfletos de la segunda guerra mundial, en los cine noticieros. Hasta la manera de ilustrar una tecnología compleja para el habitante promedio.